Представляем традиционный гид Posta-Magazine по главным мировым арт-выставкам месяца.
Сюрреалистический видеоарт Ребекки Хорн, абстрактный экспрессионизм Ли Краснер и столетие «мерца» Курта Швиттерса — об этих и других мировых выставках месяца в нашем июльском обзоре.
«Фра Анджелико и начало флорентийского Возрождения»
Музей Прадо, Мадрид, Испания
До 15 сентября
О Фра Беато Анджелико написаны тысячи страниц, каждый миллиметр его картин досконально изучен и описан, но если бы нужно было рассказать о гениальном художнике кватроченто одной емкой фразой, то она состояла бы всего из трех слов: «Жизнь как чудо». Приглушенные цвета, ощущение внутреннего света — не физического, а того, другого: из высших сфер, из первоисточника, питающего все на этой земле. Выставка, приуроченная к 200-летнему юбилею Музея Прадо, объединяет более 80 работ, созданных между 1420 и 1430 годами — в самом начале флорентийского Ренессанса. Фра Анджелико обучался живописи во Флоренции в то время, когда там работали такие гиганты, как Брунеллески, Донателло, Гиберти, чье монументальное творчество во многом способствовало возрождению интереса к классической античности как источнику вдохновения. Хотя Фра Анджелико служил подмастерьем в студии бенедиктинского монаха Лоренцо Монако, приверженного утонченно-элегантному готическому стилю, сам он выбрал иной путь, создав новый художественный язык. Среди ключевых работ выставки — знаменитые «Благовещение» и «Мадонна с гранатом» из коллекции Музея Прадо. Наряду с Фра Анджелико в экспозицию вошли произведения его современников: Мазаччо, Филиппо Липпи, Мазолино, а также скульптуры Донателло и Гиберти.
|
|
«Ли Краснер: живой цвет»
Галерея центра «Барбикан», Лондон, Великобритания
До 1 сентября
Ли Краснер — одна из ключевых фигур американского абстрактного экспрессионизма, однако ее творчество долгое время оставалось в тени мужа, Джексона Поллока. Название выставки отсылает к словам самой Краснер: «Я стремлюсь к тому, чтобы холст дышал и был по-настоящему живым. Быть живым — это самое главное». На протяжении жизни Ли Краснер не выработала единого стиля: она занималась живописью, экспериментировала с коллажной техникой, создавала графику и время от времени мозаики. Она говорила, что сознательно избегает единого узнаваемого языка, потому что ее работы — это прежде всего выражение постоянно меняющегося эмоционального состояния и мироощущения. Взрывы цвета и монохром; концентрические круги и заостренные, рваные формы; абстракции, напоминающие иероглифическое письмо, и клубки сотен переплетающихся линий, на первый взгляд хаотичных, но при более внимательном изучении — почти математически выверенных. Композиция, текстура, материалы — все меняется от работы к работе. Их, кстати, сохранилось не так много, менее 600: Краснер, известная своим перфекционизмом, часто уничтожала произведения, если они не соответствовали ее внутренним стандартам. Лондонская выставка — редкая возможность увидеть творчество Ли Краснер в Европе, где она не выставлялась последние полвека.
|
|
«Ребекка Хорн. Театр метаморфоз»
Центр Помпиду-Мец, Мец, Франция
До 13 января 2020
Ребекка Хорн — немецкая художница, известная своими сюрреалистическими фильмами, инсталляциями, скульптурами и перформансами. Выросшая в послевоенной Германии, она впитала в себя трагическое ощущение времени, усиленное легочной болезнью, которая в молодости приковала ее к кровати, так же как автомобильная авария Фриду Кало. В течение долгой реабилитации Ребекка Хорн делала скульптуры из легких и доступных материалов, с которыми могла работать в тогдашнем физическом состоянии: перьев, бумаги, тканей и пр., и эти объекты становились своего рода «продолжением» ее тела. «Если вы посмотрите на мои первые работы, то неизменно увидите некий кокон, который служил мне защитой. Как, например, огромные веера, в которых я могла закрыться от внешнего мира, а затем снова открыться, включив в этот интимный ритуал другого человека», — говорит Ребекка Хорн. На выставке в Центре Помпиду-Мец акцент сделан на видеоработы художницы — в них она поэтически соединяет и исследует взаимопроникающие оппозиции жизни: гармонии и хаоса, силы и хрупкости, биологического и искусственного, человеческого и животного. В них чувствуются отголоски искусства Ман Рэя, Марселя Дюшана, Константина Бранкузи, оказавших на Хорн значительное влияние .
|
|
«Уильям Кентридж. Поэма, написанная не нами»
Кунстмузеум, Базель, Швейцария
До 13 октября
Южноафриканский визуальный художник, кино- и театральный режиссер Уильям Кентридж работает в многочисленных медиа, занимаясь анимацией, рисунком, графикой, скульптурой. Его условная манера моментально узнаваема, а его метафоричный, поэтичный, но при этом простой язык понятен любой аудитории. Кентридж — тотальный художник: он создает целый мир с замысловатыми связями, отсылками и переплетениями. Визуальная красота у него неизменно сочетается с сильным политическим и социальным посылом. Так, в ранних фильмах и рисунках конца 1960-х годов он открыто критиковал социальные и этнические конфликты в Африке и Европе. В 1970-1980-х создал серию рисунков, постеров и театральных пьес, посвященных апартеиду в его родной ЮАР. На выставке в Базеле представлены графика и фильмы 1980-1990-х годов, а также видеоинсталляция по мотивам спектакля 2018 года The Head and the Load («Голова и груз»), показанного в 2018 году в Турбинном зале Тейт Модерн и посвященному участию Африки в Первой мировой войне. В этой постановке Кентридж соединяет музыку, танец, кино, механические скульптуры и театр теней в эпическое зрелище, пронзительный и тонкий спектакль о жизни и смерти.
|
|
«Фрэнк Боулинг»
Галерея Тейт-Британ, Лондон, Великобритания
До 26 августа
Художественная карьера 85-летнего Фрэнка Боулинга насчитывает уже 60 лет — масштабная ретроспектива в Тейт-Британ показывает его творчество на протяжении всего этого времени. Родившись в Британской Гвиане в 1934 году, в 19 лет он переехал в Лондон, где учился в Королевском колледже искусств; в то же время там же обучались Дэвид Хокни и Рон Б. Китай. Живопись Фрэнка Боулинга соединяет в себе абстракцию и флешбеки из его личной биографии. На выставке в хронологическом порядке представлены серии работ разных лет, в каждой из которых художник экспериментирует с текстурой краски и способами ее нанесения, композицией и фактурой. Так, в ранних работах он использует геометрический подход в композиции, которую составляют крупные цветовые плоскости. В середине 1960-х он включает в картины постановочные фотографии, семейные снимки и изображения из журналов. Позже к ним добавляются трафаретные изображения — именно таким образом, например, создана серия с контурами континентов, прежде всего Южной Америки, — критика Боулингом западноцентричного подхода в мировой политике. В 1970-е он создает картины, разливая краску на полотно с высоты двух метров. Результат — энигматичные, порой пугающие абстракции. Боулинг продолжает работать и сегодня, на выставке можно увидеть произведения последнего десятилетия, в которых находят применение все техники и подходы, разработанные им в течение жизни.
|
|
«Дэвид Войнарович. История не дает мне спать по ночам»
Музей королевы Софии, Мадрид, Испания
До 30 сентября
«Я убежден, что я с другой планеты», — писал в своем дневнике Дэвид Войнарович. Судьба американского художника-самоучки, который в 1980-е стал важной фигурой нью-йоркской художественной сцены, изобиловала драматическими событиями с самого детства. Насилие в семье, развод родителей, попытки матери вновь выйти замуж, пренебрегая детьми, жизнь на улице и в ночлежках, случайные заработки, которых едва хватало на еду, смерть от СПИДа в возрасте 37 лет. В сочетании с обостренным чувством человеческой и социальной несправедливости, глубоким, интуитивным пониманием мира и ощущением своей ненужности в нем все это прорастало в предельно обнаженное искусство, которое своим эмоциональным накалом порой сбивает с ног. Войнарович работал в разных техниках: фотография была для него способом рассказать историю; коллаж и фотомонтаж он использовал для социальных и политических высказываний; а живопись была пространством размышления о «вечных» экзистенциальных вопросах.
|
|
«100-летие Merz. Курт Швиттерс»
Музей Шпренгеля, Ганновер, Германия
До 6 октября
В 1918 году художник Курт Швиттерс, который до этого писал спокойные импрессионистические картины, резко поменял направление и начал создавать коллажи и ассамбляжи из всего, что попадалось под руку: фрагментов газет, фотографий, кусков дерева и ткани. Годом позже в одной из работ он использовал слог «мерц», вырезанный из названия «Коммерц-унд приватбанк», и этот лишенный контекста «мерц» Курт Швиттерс наделил новым смыслом, не имеющим никакого отношения ни к банкам, ни к коммерции. Этим неологизмом он стал обозначать практически все, что делает: рисунки, коллажи, скульптуры, выпускаемый им поэтический журнал, музыкально-литературные вечера и наконец самого себя. «Мерц означает создание связей между всеми существующими на свете вещами, — писал Швиттерс. — Отдельных видов искусства на самом деле не существует, их лишь искусственно придумали». Сегодня бы мы назвали такой принцип междисциплинарностью. Ганноверский Музей Шпренгеля, хранящий обширную коллекцию Курта Швиттерса, рассказывает и показывает историю «мерца» как отдельного художественного явления. Его работы, порядка 150, соседствуют с произведениями друзей-современников: Тео ван Дусбурга, Ханса Арпа, Эль Лисицкого.
