Представляем традиционный гид Posta-Magazine по главным мировым арт-выставкам месяца.
В октябрьском выпуске: драматичное барокко Риберы, экспрессионизм Габриеле Мюнтер, столетняя история кинетического искусства, а также Энди Уорхол образца 1968 года.
«Бесконечная загадка: восемь веков фантастического искусства»
Галерея Дэвида Цвирнера, Нью-Йорк, США
До 27 октября
Выставка в нью-йоркской галерее Дэвида Цвирнера, одного из самых влиятельных мировых арт-дилеров, вдохновлена легендарной выставкой «Фантастическое искусство, дада и сюрреализм» 1936 года в MoMA. Организованная первым директором музея Альфредом Барром, она не только впервые представила американской публике авангардистские течения Европы, но и поставила их в контекст искусства предшествующих эпох. В экспозицию текущего выставочного проекта вошли произведения из музейных и частных коллекций, созданные за последние восемьсот лет, начиная с XII века и заканчивая новейшим временем. Здесь готические гаргульи, Иероним Босх и Тициан соседствуют с Рене Магриттом и Джеймсом Энсором, Сальвадором Дали и Ман Рэем, а также Луиз Буржуа и Шерри Левин. Это поистине погружение в альтернативную реальность, которая находит выражение в самых разнообразных образах, порождаемых религией, мифологией, поэтическим воображением, индивидуальным подсознанием и коллективным бессознательным.
|
|
«Габриеле Мюнтер. Рисуя сущность»
Музей Людвига, Кельн, Германия
До 13 января
Габриеле Мюнтер — одна из центральных фигур немецкого экспрессионизма и группы «Синий всадник», а также одна из немногих женщин, сыгравших значительную роль в ранней истории модернизма. Ученица Василия Кандинского, с которым ее связывали многолетние романтические отношения, она в свою очередь также оказала значительное художественное влияние на своего учителя. Разные в живописной манере, участники «Синего всадника» разделяли интуитивистский подход к живописи и сходились в понимании сверхзадачи искусства, которая, как они считали состояла в выражении духовных истин. В живописи Мюнтер стремилась зафиксировать метафизическую суть вещей и моментов жизни: с помощью цвета и формы запечатлеть загадку, скрытую за внешней, материальной оболочкой. На выставке представлено более сотни картин, многие из которых впервые показывают публике.
|
|
«Уорхол 1968»
Музей современного искусства, Стокгольм, Швеция
До 17 февраля
Спустя пятьдесят лет после драматичного и трагичного 1968-го многие исследователи особенно пристально вглядываются в события не столь далекого прошлого, ознаменовавшие поворотный момент в политической и культурной истории XX века. Проект «Уорхол 1968» посвящен первой европейской выставке Энди Уорхола, состоявшейся в Музее современного искусства в Стокгольме. Тогда она вызвала споры не только относительно состоятельности и ценности поп-арта как художественного течения — многие интеллектуалы левого толка критиковали ее как «американскую пропаганду». Переломным 1968-й оказался и для самого Уорхола: через несколько месяцев после окончания стокгольмской выставки художник был тяжело ранен в результате покушения на него радикальной феминистки Валери Соланас. Пережив клиническую смерть и пятичасовую хирургическую операцию, он потом в течение года был вынужден ходить в корсете, поддерживающем поврежденные внутренние органы. Случившееся сильно повлияло на его искусство, в котором мотивы насильственной смерти, интересовавшие Уорхола и раньше, стали появляться все чаще. Тогда же окончательно оформилась его концепция репродуцируемого искусства. В экспозиции знаменитые работы Энди Уорхола, среди которых «Диптих Мэрилин», «Мао», «Десятифутовые цветы», «Электрический стул», коробки Brillo, предстают наряду с фотографиями выставки 1968 года, критическими статьями и артефактами того времени, вновь отсылая нас к одному из центральных вопросов современного искусства: что есть оригинал, а что копия?
|
|
«Джон Сингер Сарджент»
Национальный музей, Стокгольм, Швеция
13 октября—13 января
Джона Сарджента нередко называют лучшим портретистом своего поколения, создавшим целую галерею типажей «прекрасной эпохи». Американец, он родился в Венеции, получил образование во Франции и большую часть жизни провел в Европе. Сарджент взял лучшее от старых мастеров, в том числе Ван Дейка и Веласкеса, в том, что касается композиционных решений, соединив их с псевдоимпрессионистской техникой. Он был вхож в круг импрессионистов, которые, однако, высказывали порой полярные мнения относительно его творчества. Дега не скрывал презрения, а Писсаро снисходительно называл его «искусным ремесленником». Моне же искренне ценил Сарджента, отмечая, впрочем, что его манера не имеет ничего общего с импрессионизмом. Помимо портретов, Джон Сарджент создал большое количество пейзажей и жанровых сцен из путешествий по Ближнему Востоку и Северной Африке, а также графические серии чувственных мужских ню. Последние не предназначались для показа публике, но именно в этих работах художник достигает еще большей психологической глубины в изображении своих моделей, чем в прославивших его портретах.
|
|
«Рибера: искусство жестокости»
Галерея Далвич, Лондон, Великобритания
До 27 января
Физические страдания человека были популярным мотивом в европейском искусстве конца XVI — середины XVII веков, времени католической Контрреформации. В творчестве титана испанского барокко Хосе де Риберы натуралистичные сцены мученичества занимают центральное место. Однако изображение насилия в его работах не объясняется садизмом, в котором его не раз обвиняли историки искусства, или интересом к исследованию чисто формальных живописных приемов — при том что художник достиг блестящего мастерства в композиции, использовании светотени, экспрессивности жестов и мимики и передаче анатомии тела. Каждое из его произведений являет собой комплекс религиозных, культурных и философских отсылок, символизирующих победу духа над плотью и ее страданиями. На выставке представлен ряд живописных и графических работ на один из самых частых сюжетов Риберы и южноевропейского барокко в целом — мученичества святого апостола Варфоломея, с которого за его приверженность вере заживо содрали кожу. Созданные в разные годы, они позволяют проследить развитие его манеры и гиперреалистичных художественных решений. Кураторы выставки делают акцент на новаторстве Риберы в передаче человеческого страдания прежде всего через изображение мужских фигур, которые в его работах предстают в сложнейших ракурсах и позах.
|
|
«Одилон Редон. В грезе»
Глиптотека, Копенгаген, Дания
12 октября—20 января
На протяжении всей жизни символист Одилон Редон исследовал невидимое: человеческую психику, в глубинах которой скрыты как самые черные кошмары, так и самые светлые детские сны. Редон не принадлежал ни к каким школам и направлениям, хотя и использовал некоторые приемы позднего импрессионизма. Мотивы и персонажи мифов разных культур и эпох, от Древнего Египта и античности до Средних веков и Ренессанса, соединяются в его работах с непрямыми отсылками к новейшим научным открытиям. Художник жил в эпоху, когда с развитием неврологии, микробиологии и психоанализа представления о мире и человеке стремительно менялись. Как следствие, множились экзистенциальные вопросы, ответы на которые Редон, приветствовавший технический прогресс, ищет в потаенных уголках человеческого сознания. Выставка, которая развернется на трех этажах копенгагенской Глиптотеки и объединит более 150 работ Одилона Редона, задумана как путешествие по миру сна, пространству необъяснимого. Его произведения предстанут в экспозиции наряду с источниками вдохновения художника — искусством, литературой, музыкой предшествующих эпох и рубежа XX–XXI веков.
|
|
«Action <-> Reaction: 100 лет кинетического искусства»
Кюнстахал, Роттердам, Нидерланды
До 20 января
И все-таки она вертится! На ретроспективной выставке, посвященной более чем вековой истории кинетического искусства, арт-объекты движутся, вращаются, вибрируют, излучают волны. Это течение зародилось в начале XX века на волне научного и технологического прогресса. Художники, вооруженные результатами научных выкладок, стремились расширить границы живописи и скульптуры и восприятия их исключительно как материальных объектов. Чувственный опыт зрителя стал рассматриваться как одна из главных составляющих произведения искусства. Александр Колдер создает свои первые мобили (движущиеся скульптуры), Жан Тэнгли — скульптурные машины, а Марсель Дюшан экспериментирует с роторельефами — плоскостными изображениями, которые при движении приобретают трехмерный объем. Экспозиция организована тематически и состоит из двенадцати разделов, каждый из которых исследует тот или иной аспект, как например, ритм, структура, нематериальность. Среди звезд современного искусства на выставке представлены Карлос Крус-Диес, Хесус Рафаэль Сото, Хулио Ле Парк, Яёи Кусама, Дэн Флавин и другие.
