Традиционный гид Posta-Magazine по главным мировым арт-выставкам месяца.
В апреле смотрим первую за полвека ретроспективу Эжена Делакруа, поп-арт Джеймса Розенквиста и инсталляции Субодха Гупты.
«Джеймс Розенквист: живопись как погружение»
Музей ARoS, Орхус, Дания
14 апреля — 19 августа
Джеймс Розенквист — один из самых влиятельных художников поп-арта наряду с Энди Уорхолом, Роем Лихтенштейном и Класом Ольденбургом. Его художественный язык во многом определил опыт работы в рекламе — на заре карьеры в 1950-х он зарабатывал тем, что рисовал билборды. Позже, в 1960-е, начал создавать крупноформатные полотна, в которых использовал визуальные образы массовой культуры — рекламы, коммерческой фотографии и популярных журналов. Постоянно расширяя границы жанра, освобождая его от условностей, он вместе с другими поп-артистами заново придумывал живопись, которой, однако, его творчество не ограничено: в том же ключе Розенквист экспериментировал с коллажами, занимался графикой. Влиятельный американский куратор Уолтер Хоппс назвал его искусство «визуальной поэзией» — в сложной системе образов Розенквиста находят отражение как экономические и социальные реалии, так и вопросы космического, экзистенциального масштаба. Экспозиция выставки в датском музее ARoS строится вокруг трех многопанельных работ, каждая из которых занимает по комнате: Horse Blinders («Шоры», 1968), Horizon Home Sweet Home (" Горизонт дом милый дом«, 1970) и 27-метровый триптих The Swimmer in the Econo-mist («Пловец в тумане экономики», 1997–1998). Всего будет представлено 52 произведения с начала 1960-х до 2011 года.
|
|
«Делакруа (1798–1863)»
Лувр, Париж, Франция
До 23 июля
С именем Эжена Делакруа связана одна из самых значительных революций в истории живописи. Лидер французского романтизма разрушил классицистические жанровые каноны, сделав предметом живописи в том числе современную жизнь — что впоследствии получит развитие в искусстве импрессионистов. Революция, смерть, экзотика Востока — драматизм и непривычная для публики того времени страстность его произведений нередко вызывали непонимание и откровенное неприятие. Один из величайших мастеров цвета, Делакруа стал писать раздельными, видимыми мазками, что шло вразрез с принятыми академическими принципами. Последняя его ретроспектива состоялась в Париже более полувека назад, в 1963 году, так что эта выставка в Лувре, объединяющая порядка 180 работ, — событие поистине историческое. В экспозицию вошли произведения, начиная с громких салонных полотен 1820-х годов до гораздо менее известных мистических картин последних лет. Кураторы также знакомят зрителей с многогранной личностью Делакруа: художника, писателя, неутомимого исследователя, буквально одержимого делом жизни.
|
|
«Субодх Гупта. Adda/Рандеву»
Монетный двор (Monnaie de Paris), Париж, Франция
13 апреля — 26 августа
Современный индийский художник Субодх Гупта работает с разными материалами, жанрами и форматами. Чем бы он ни занимался — живописью, скульптурой, перформанс-артом или инсталляцией, — все его работы так или иначе побуждают взглянуть на повседневное и обыденное. Среди самых узнаваемых его произведений — скульптуры и инсталляции из металлической кухонной утвари, как, например, огромный человеческий череп A Very Hungry God. Кухня занимает центральное место в жизни индийской семьи, и, используя бытовые объекты, Гупта переводит традиционные, казалось бы, тривиальные практики на уровень космического, трансцендентного, придавая им эпическое звучание. Отсюда и названия разделов выставки: «Боги на кухне», «Ненасытный бог», «Небесные тела». Ретроспектива Гупты в парижском Монетном дворе, по замыслу художника, должна стать местом таких общих практик, дискуссий и обмена мыслями — именно такие коннотации на хинди несет слово «adda», вынесенное в заглавие проекта.
|
|
«Марино Марини. Визуальные страсти»
Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция, Италия
До 1 мая
Скульптор Марино Марини (1901–1980) — одна из самых интересных фигур в итальянском искусстве XX века, однако, по иронии судьбы, это первая его ретроспективная выставка, представляющая эволюцию его творчества. В своих модернистских пластических опытах он переосмыслял традиции этрусского и средневекового искусства. В экспозицию венецианской Коллекции Пегги Гуггенхайм вошло около пятидесяти работ Марини разных лет, которые на выставке объединены тематически: наездники, женские ню, скульптурные портреты. Фигуры воина и лошади имели для него архетипическое значение, в них и в отношениях между, по его словам, заключена вся история человечества. Однако изначальную гармонию между человеком и животным драматически разрушает век машин и двух мировых войн. Женские фигуры Марини видоизменяются от пышнотелых Помон — образов богини плодородия — до почти полных скульптурных абстракций. В портретах же он соединяет кубистические принципы декомпозиции с экспрессионистской деформацией.
|
|
«Икко Танака. Лица. Постеры»
Пинакотека современности, Мюнхен, Германия
До 17 июня
«Дистиллят визуальной правды» — так легендарный американский графический дизайнер Иван Чермаев однажды назвал экспрессивные и элегантные работы своего японского коллеги Икко Танаки (1930–2002), соединившего в своих работах язык европейского модернизма с национальными традициями Страны восходящего солнца. На протяжении трех десятилетий Танака сотрудничал с театром Kanze Noh в Осаке, создав огромное количество афиш, узнаваемым центральным элементом которых часто становилась маска. Он разработал символ Олимпиады 1964 года в Токио, занимался оформлением книг и каллиграфией, создав собственный шрифт cocho. Среди самых его известных плакатов — афиша выступления танцевальной труппы Nihon buyō с изображением гейши, составленным из простых геометрических фигур. Выставка в мюнхенской Пинакотеке современности посвящена лицам — в самых разнообразных композиционных и стилистических решениях, которые использовал Танака.
|
|
«„Прохладный“ модернизм Америки: от О’ Киф до Хоппера»
Музей искусства и археологии Ашмола, Оксфорд, Великобритания
До 22 июля
Заводы без признаков присутствия людей, пустынные городские улицы, закрытые ставни — художники 1920–1930-х годов смотрят на современную им Америку как будто отстраненным, холодным взглядом. Однако за этой сдержанностью проступает тревога, ощущение неуверенности в будущем слишком быстро развивающегося мира — «ревущие двадцатые» и сменившая их Великая депрессия давали достаточно оснований если не для пессимизма, то для беспокойства. На выставке в Оксфорде представлено около 80 работ американского искусства начала прошлого века, от первых экспериментов в абстракции Джорджии О’ Киф и Артура Доува до строгих механистических форм прецизионистов Чарльза Шилера и Чарльза Демута с их стерильными городскими пейзажами.
|
|
«Магритт, Дитрих, Руссо. Визионерская предметность»
Кунстхаус, Цюрих, Швейцария
До 8 июля
Появление абстракции стало одним из важнейших процессов в развитии современного искусства. Но не менее значимы художники, которые разрабатывали новые стилистические приемы в фигуративной живописи — что и призвана продемонстрировать выставка в цюрихском Кунстхаусе, прослеживающая ее развитие с конца XIX до первой трети XX века. Так, Феликс Валлоттон с мастерством, достойным Старых мастеров, запечатлел видимый мир, обнажив при этом его глубинную хрупкость и непостоянство с проницательностью психоаналитика. В то же время «наивный» самоучка Анри Руссо визуализировал причудливые образы, рожденные его воображением. (Также на выставке можно видеть работы других «наивных» художников — Андре Бошана, Камиля Бомбуа, Бабушки Мозес.) После Первой мировой войны фигуративная живопись обрела новое дыхание благодаря движению «Новая предметность», представленному, среди прочих, творчеством Никлауса Штеклина и Адольфа Дитриха. Предметным было и искусство сюрреалистов Рене Магритта и Сальвадора Дали, стремившихся материализовать причудливую реальность сна и образы бессознательного.
