Травмированная живопись и пощечины общественному вкусу: самые интересные выставки февраля

 
Инна Логунова
Все статьи автора

— журналист


Представляем традиционный гид Posta-Magazine по главным мировым арт-выставкам месяца.

 
 
Травмированная живопись и пощечины общественному вкусу: самы...

Резаные картины Лучо Фонтана, оптические иллюзии Виктора Вазарели, метафизический видеоарт Билла Виолы — об этих и других выставках февраля в нашем обзоре.

«Виктор Вазарели: разделение форм»

Центр Помпиду, Париж, Франция
6 февраля — 6 мая

Ретроспектива отца оп-арта Виктора Вазарели в парижском Центре Помпиду объединит более 300 работ мастера. Здесь в хронологическом порядке можно будет увидеть первые оптические эксперименты в Баухаусе, где он в конце 1920-х изучал графический дизайн и типографию, кинетические принты и черно-белые фотографии 1940-1950-х, основанные на оптической иллюзии, а также скульптуры, объекты и рекламные работы. Вазарели известен как создатель «пластического алфавита»: в марте 1959 года он запатентовал свой метод пластических единиц — базовых элементов, составленных из двух контрастных форм и цветов, своего рода молекул, из разнообразных сочетаний которых создается произведение. Войдут в экспозицию и «архитектурные интеграции», являющие собой синтез оптического искусства и дизайна: Вазарели был адептом демократичного искусства, призванного стать неотъемлемой частью повседневной жизни человека. Например, в числе таких интеграций — стометровая изогнутая керамическая стена в университете Каракаса в Венесуэле или решетчатые ограды со стробоскопическим эффектом (основанном на слиянии в глазу зрителя нескольких изображений в одно) во французском Монпелье. На выставке творчество Вазарели представлено в социальном и политическом контексте 1960-1970-х годов.

«Виктор Вазарели: разделение форм» 
Центр Помпиду, Париж, Франция 
6 февраля — 6 мая


«Кристиан Диор: дизайнер мечты»

Музей Виктории и Альберта, Лондон, Великобритания
2 февраля — 14 июля

12 февраля 1947 года, когда Европа все еще залечивала раны Второй мировой и постепенно отвыкала от спартанского военного быта, Кристиан Диор представил публике коллекцию одежды, которая стала не просто манифестом мирной жизни, но и задала вектор развития женской моды на десятилетия вперед. На смену аскетичным, напоминающим футляры костюмам пришли пышные юбки и подчеркивающие талию и грудь корсеты — Диор соединил роскошь belle époque с изысканной простотой силуэтов. Шоу завершилось стоячими овациями, предметы коллекции попали на обложку журнала Life, а новое направление моды с подачи главного редактора Harper’s Bazaar Кармел Сноу получило легендарное название New Look. Выставка в лондонском Музее Виктории и Альберта вписывается в устоявшуюся уже практику показа крупными художественными музеями выставок, посвященных истории моды и ее ключевым персоналиям: подобные проекты неизменно становятся хитами, привлекая широкую аудиторию. Новая ретроспектива прослеживает творчество Кристиана Диора и основанного им модного дома с 1947 года до наших дней, делая особый акцент на его связь с Британией и британской культурой.

«Кристиан Диор: дизайнер мечты»
Музей Виктории и Альберта, Лондон, Великобритания
2 февраля — 14 июля


«Лучо Фонтана: на пороге»

Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
До 14 апреля

Итальянско-аргентинский художник Лучо Фонтано вошел в историю искусства XX века как человек, который режет картины. В 1947 году он провозгласил новое художественное направление спациализм (от итал. spazio — пространство), в котором стремился объединить скульптуру и живопись, таким образом преодолев «родовую травму» картины — ее двухмерность. Спустя два года он предъявит публике материальное воплощение своих идей — первые работы из серии «Дыры». Холсты с рваными и колотыми ранами, через которые видно пространство по ту сторону картины, уже не ограничены двумя измерениями, в них появляется объем: очевидное, казалось бы, решение, до которого никто из других художников, однако, не додумался (хотя вопрос занимал умы многих авангардистов). Добавьте к этому освещение, тени от выступающих краев дыр, которые также добавляют объемность картине. В том же 1949-м Фонтана показал в Милане «Пространственный энвайронмент в черном свете», представлявший собой помещение с расположенными в нем абстрактными скульптурами. Выкрашенные флюоресцентными красками, они светились в ультрафиолете, который не только создавал полумистическую атмосферу, но и влиял на визуальное и сенсорное восприятие пространства зрителем. На крупной ретроспективной выставке в нью-йоркском Метрополитен-музее среди прочего воссоздан один из энвайронментов Фонтаны. Также, помимо хрестоматийных «Дыр», здесь можно увидеть ранние скульптурные работы и объекты.

«Лучо Фонтана: на пороге»
Метрополитен—музей, Нью—Йорк, США
До 14 апреля


«Джексон Поллок. Фреска»

Художественный музей Колумбии, Колумбия, США
До 19 мая

Шестиметровая «Фреска» Джексона Поллока, написанная им на рубеже 1943 и 1944 годов по заказу Пегги Гуггенхайм для ее дома, ознаменовала поворотный момент в творчестве художника. Она не только привлекла к нему всеобщее внимание, но и вывела его живопись на новый уровень. Если раньше Поллок писал небольшие по формату картины, то, начиная с «Фрески», внушительные размеры работ стали отличительной особенностью его творчества. Но дело не только в этом, гораздо большее значение имеет абстрактная экспрессионистская мощь, заключенная в этой работе. Спустя годы после ее создания Поллок признался одному из своих друзей, что, когда он раздумывал над будущей работой, которая никак не складывалась, у него случилось видение: огромное стадо животных американского Запада — коров, лошадей, антилоп, буйволов, которые, казалось, прорывали холст. Именно этот образ и стал отправной точкой, именно это ощущение безудержной животной энергии захватывает оказавшегося перед росписью зрителя. Во «Фреске» можно заметить влияние американского риджионалиста Томаса Гарта Бентона, мексиканского муралиста Диего Риверы, Пабло Пикассо и индейского искусства, с которым Поллок познакомился в детстве. Также Поллок прибегает к сюрреалистическому методу автоматизма, который заключается в том, что художник отдается во власть бессознательного, ведущего его руку. Выставка работ Поллока в Художественном музее Колумбии занимает несколько залов: наряду с самой росписью здесь представлены ее увеличенные фрагменты с подробными комментариями исследователей.

«Джексон Поллок. Фреска»
Художественный музей Колумбии, Колумбия, США
До 19 мая


«Билл Виола и Микеланджело»

Королевская академия художеств, Лондон, Великобритания
До 31 марта

Лондонская выставка объединяет графику Микеланджело Буонарроти и работы одного из пионеров видеоарта американского художника Билла Виолы. В отличие от масштабных, поражающих грандиозностью фресок и скульптур Микеланджело, его рисунки — более интимные, порой лиричные. Они создавались для друзей как выражение привязанности и душевной близости, а также были визуальными размышлениями художника о своей собственной смертности. Увидев коллекцию этих рисунков в Виндзорском замке в 2006 году, Билл Виола был поражен мастерством Микеланджело в передаче эмоциональных и духовных состояний через телесность. Хотя Виола работает в совершенно других медиа, создавая сложносочиненные видеоинсталляции, звуковые и музыкальные среды, в своем творчестве он также задается фундаментальными вопросами человеческого существования: рождения, жизни, смерти, исследуя границы бытия и небытия. Выставка задумана как иммерсивное путешествие по жизненному циклу. Одни из лучших образцов графики Микеланджело предстают на выставке вместе с двенадцатью главными видеоинсталляциями Виолы, среди которых «Вознесение Тристана» («Звук горы под водопадом») — пятиметровая проекция, изображающая путь души после смерти.

«Билл Виола и Микеланджело»
Королевская академия художеств, Лондон, Великобритания 
До 31 марта


«Гилберт и Джордж. Большая выставка»

Музей современного искусства, Стокгольм, Швеция
9 февраля — 12 мая

Два человека, один художник. Gilbert & George — один из самых известных дуэтов в современном искусстве, впрочем, не только современном: все-таки большинство художников — одиночки. Итальянец Гилберт Прош и англичанин Джордж Пассмор встретились в 1967 году в художественном колледже Сент-Мартина в Лондоне, где они изучали скульптуру. Немногим позже появился их проект поющих живых скульптур: перформанс, в котором художники с покрытыми цветной металлической пудрой руками и лицами распевали популярные в народе песенки, стоя на столе. Искусство Гилберта и Джорджа, выходцев из простых семей, всегда носило антиэлитаристский посыл, а также вызов общественным условностям и «хорошему вкусу». Дуэт наиболее известен скандальной серией крупноформатных черно-белых фотографий The Pictures. В этих работах с шокирующими добропорядочных обывателей образами (некоторые из которых созданы физиологическими жидкостями) художники обращались к острым и противоречивым вопросам, в том числе сексу, религии, расизму и патриотизму. Гротесковые и сюрреалистичные картины Гилберта и Джорджа способны вызвать у зрителя всю гамму чувств от отвращения до эйфории, но при кажущейся мизантропичности, их искусство глубоко демократично и человечно. Не случайно многолетний слоган дуэта — «искусство для всех».

«Гилберт и Джордж. Большая выставка»
Музей современного искусства, Стокгольм, Швеция 
9 февраля — 12 мая


«Дэвид Линч: кто-то в моем доме»

Боннефантен-музей, Маастрихт, Нидерланды
До 28 апреля

Признанный классик кинематографа, режиссер Дэвид Линч гораздо менее известен как художник, несмотря на то, что сам он всегда настаивал именно на таком определении. Кинематографом он заинтересовался в Пенсильванской художественной академии, где он изучал живопись и где начал свои визуальные эксперименты. В 1966 году он снял анимационный фильм «Шестеро заболевают», в котором наметились темы и образы его первой, ставшей культовой, полнометражной картины «Голова-ластик» (1977). На протяжении своей полувековой режиссерской карьеры Дэвид Линч продолжал рисовать — в своей биографии «Комната снов» он признается, что это занятие всегда было для него необходимостью. На крупнейшей ретроспективной выставке в Маастрихте творчество Линча предстает во всем своем разнообразии: живопись, графика, фотография, а также комиксы «Самая злая собака в мире», которые он создавал в 1982-1993 годах, аудиоработы, многочисленные короткометражки — всего около 500 работ. Отдельно стоит упомянуть снятый Линчем тизер к выставке, где он сам появляется в кадре вместе с белой обезьяной, героиней, созданной в 2000-е серии короткометражек «Странные ежедневные погодные сводки». В этом ролике животное выступает медиумом, переводя на язык слов жестовое послание режиссера.

«Дэвид Линч: кто—то в моем доме»
Боннефантен—музей, Маастрихт, Нидерланды
До 28 апреля

Инна Логунова для раздела «Культура», опубликовано: 31 января 2019
Похожие статьи | Новые статьи
 
 

#postatravelnotes Лето 2019: куда поехать?

Самое популярное за неделю на Posta-Magazine
#postatravelnotes «Очей очарованье»: гид по осеннему Санкт-Петербургу от Татьяны Шевченко
Красивое предложение: услуги московских beauty-салонов с бесплатным паркингом
Кино недели: «Мысленный волк» Валерии Гай Германики
«Никогда не думал, что буду дизайнером»: Ральфу Лорену — 80
Анна Дычева — о набирающей популярность экологической инициативе Waterless

Куда поехать зимой: новые отели для лыжных каникул в Европе
Качество жизни
       
©2011—2019 Posta-Magazine
Сайт может содержать контент, не предназначенный для лиц младше 16 лет.